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Après la pluie (Después de la lluvia)



http://www.gobelins.fr/galerie/APRES-LA-PLUIE-AFTER-THE-RAIN

Aprés de la pluie (Despues de la lluvia) es un corto de animación (2D con algo de 3D), realizado en el 2008 por Charles-André LEFEBVRE, Manuel TANON-TCHI, Louis TARDIVIER, Sébastien VOVAU, y Emmanuelle WALKER, como trabajo final de la carrera de animación en Gobelins, l’école de l’image. Narra la aventura de un niño que está pescando en un charco con plátanos hasta que captura un pez tan grande que no puede controlar. Resulta otro impresionante trabajo de los alumnos de Gobelins, la escuela francesa de animación. Apres la Pluie parece estar más allá del trabajo habitual de los estudiantes, se trata de una animación que cualquier estudio profesional estaría orgulloso de exhibir.apres_03apres_01apres_02Muy interesantes estos videos de Making of:


Portfolios de los alumnos de Gobelins, creadores de este magnífico corto:

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Una excelente entrevista a Emmanuelle Walker, animadora integrante del equipo de realización de ese fantástico corto animado:  http://squidgemag.com/2009/10/emmanuelle-walker-interview/

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All images are property of Gobelins

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Supakitch y Koralie – Street Art de exposición


Este video es una clara muestra del impresionante resultado de la fusión de dos mentes creativas, que en este caso además resulta ser un matrimonio de artistas. Se trata de la dupla conformada por Supakitch y Koralie, dos artistas franceses, que viven en Nueva York. En su estilo ellos mezclan diferentes expresiones de la cultura tradicional japonesa (geishas, ​​dragones, personajes de anime) con algunos elementos de la biotecnología moderna y el arte pop, y destaca una mezcla de técnicas como papel, marcadores, aerosol, pinceles y todo lo que tengan a mano para realizar estos grandes murales llenos de vida y fantasía. Si bien gran parte de su arte se ve inmerso en el paisaje urbano, también han sabido llevar sus creaciones a las paredes tranquilas de las galerías.

En 2010 realizaron el bellisimo mural que se ve en el video, en el Museo de Gotemburgo, en Suecia (VÄRLDSKULTUR MUSEET GÖTEBORG) con motivo de su exposición, Kimono Fusion. El proceso creativo fue fotografiado y grabado por Damien Vignaux, aka Elroy. La música es de DLid.
Koralie es reconocida internacionalmente por sus “geishas modernas” y SupaKitch se caracteriza por sus peculiares criaturas. Juntos crean su propio universo habitado por lindos monstruos, superhéroes y niñas de hermosa cabellera. El concepto de su arte es un brillante FantasyWorld infantil, lleno de humor inteligente y matices adultos.

*Koralie: es una artista e ilustradora francesa, actualmente radicada en Nueva York. Estudió arte en l’Université Paul Valéry y arquitectura en l’Ecole d’Architecture de Montpellier. Su estilo se caracteriza por representar distintos universos y culturas y mezclarlos donde generalmente no coexistirían: en personajes fantásticos. Mezcla códigos gráficos y culturales de distintos países, costumbres y arte folclórico, étnico e incluso contemporáneo: muñecas rusas, trenzas africanas, candelabros, rizos, joyería hindú, encajes, plumas … mucha inspiración japonesa. Un universo particular, delicado, cuya inspiración surge de un viaje diario y constante: exposiciones, revistas de moda, libros de arte, viajes… Koralie ha creado un mundo a su alrededor de carácter evolutivo que va de la mano con sus deseos y proyectos.

“Tengo una gran admiración por las geishas, su estética y su conocimiento. Ellas son muy buenas en las artes e inteligentes también. Su belleza, sus costumbres, su cabello y maquillaje y su significado me fascinan. Lo que me gusta de la cultura japonesa es la oposición entre lo actual y lo tradicional, el cautiverio de la innovación y la profusión de elementos visuales en los gráficos, la arquitectura y el estilo”.
*SupaKitch: es un artista completo, no limita sus ideas a una sola técnica. Nacido en 1978, en París; vive y trabaja en Brooklyn, NY. SupaKitch encuentra en la calle una gran variedad de medios y fuentes de inspiración que florecen en su obra. Su primer graffiti se remonta a 1990. No era realmente consciente de que podía ganarse la vida con su arte, por lo que se convirtió en director artístico a la edad de 21 años y trabajó para varias agencias de publicidad desde 1999. Durante ese período conoció a su futura esposa Koralie, una estudiante de arquitectura en ese momento, y una artista callejera activa. Ella se encargó de que pueda presentar sus primeras exposiciones en la década del 2000: en ese momento surge su nombre SupaKitch.


Un amante de la moda, SupaKitch ha fundado con Koralie, su colección de ropa, Metroplastique, y ganó el premio de “Joven Empresario de la Moda” con él en 2005. En este tiempo él también empezar a colaborar con las galerías de arte en París y Miami, y Taiwán. Tuvo su primera exposición individual importante en 2007, que se basaba en un concepto original que llamó “Ubiquity”, ya que la exposición fue organizada al mismo tiempo en dos lugares diferentes, las dos ramas de la misma galería en París y en Miami. Para este espectáculo explora una amplia gama de medios: grandes lienzos, esculturas, instalaciones, serigrafías, corte láser, discos de vinilo y música.

SupaKitch es un artista lleno de ideas que ha creado un universo con influencias asiáticas, pop-románticas y musicales, donde las criaturas antropomórficas como la Supanimal, que parece un panda rojo, un zorro y un ave, se usan como metáforas. Su trabajo se expone hoy en día en todo el mundo.

“Los manga y la música son mis influencias principales; todo viene de ahí, pero no es nostalgia. Los temas en los que estoy trabajando ahora son reales y aunque los trate con un sentido crítico y mi propia visión del mundo, sigo siendo un gran niño que nunca creció”
El dúo, que se conoció en el 2001 y actualmente vive en Brooklyn, Nueva York, también ha estado involucrado románticamente por algunos años y lograron titulares en revistas de Street art cuando Supakitch le propuso matrimonio de una manera sumamente única y apropiada a Koralie: mientras hacían un proyecto en una pared de Nueva York. Koralie plasmó su respuesta casi de manera inmediata en una burbuja de diálogo en la pintura. Ella simplemente escribió “oui”. Hoy en día, permanecen casados y tienen dos hijos.
En una entrevista con la revista Format, se les preguntó si creían que su dinámica de trabajo sería alterada por su matrimonio, a lo que contestaron: “Todos los cambios en nuestras vidas influencian nuestro trabajo. Queremos trabajar juntos cada vez más y lo seguiremos haciendo”. Sin embargo, Supakitch agrega: “Me veo condicionado por el proceso de Koralie, que combina diversas técnicas y materiales (pluma, tinta, pintura, collage) para obtener un producto armonioso.”
En 2005, Koralie y Supakitch fundaron su propia marca de ropa llamada “Metroplastique”. La marca ofrece un estilo “urbano chic” y productos inspirados por su universo. Koralie disfruta de utilizar diferentes materiales y técnicas, dependiendo de la historia que busque contar y los proyectos propuestos. Utiliza acrílicos, oleo, salta de lienzos a paredes y de la computadora de vuelta a los lienzos. Siendo todos estos materiales escenciales para su trabajo. Metroplastique es un sello de artistas con fuerte personalidad.
Lejos de ser un subproducto, la etiqueta es una verdadera empresa que genera productos reflejo de sus deseos, sus influencias, sus estados de ánimo. Insensible a la dictadura estricta de la moda del momento, Metroplastique impone sus propios códigos mediante la combinación de la sagacidad de estilo con la alta calidad de producción. Una línea simple y natural.


En marzo del 2011 fueron invitados por la promotora de arte MAMUTT ARTE en colaboración con el Museo Del Juguete Antiguo México (MUJAM). A lo largo de 6 intensos días de trabajo, la pareja realizo una enorme obra sobre madera, utilizando diversas técnicas como aerosol, aerógrafo, pincel, plumón, crayola, papel tapiz y esténcil, además de plasmar sus característicos personajes, que en esta ocacion fueron influenciados por la cultura mexicana, SupalCapone de Supakitch es un revolucionario y la Geisha de Koralie utiliza máscara de luchador. La gente pudo disfrutar de esto de manera gratuita y conocer a los artistas.


“Romance In Plastic Minor” es un cortometraje animado con la puesta en escena de los personajes de la pareja de ilustradores Koralie y Supakitch por las calles nevadas de Montreal.
Recomendable darse una vuelta por los sitios personales de estos artistas, asi como por la tienda online de Metroplastique:


SUPAKITCH, KORALIE, ELROY & DLiD are represented by OneLouder. agency

onelouderagency.com

All images are property of  Supakitch x Koralie x Metroplastique


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Sintel – 3D libre y gratuito gracias a Blender Foundation



Official Site:
http://www.sintel.org/
Making Off: http://www.sintel.org/gallery/

Sintel es un corto del 2010, dirigido por Colin Levy, realizado íntegramente con software libre (Blender, entre otros: ver listado completo más abajo) y creado por un equipo internacional de animadores (entre los que se encuentra el estudio Argentino: Licuadora Studio) a través del instituto Blender, con sede en Amsterdam; es el tercer (y más valorado hasta ahora) ejemplo de los proyectos de Blender Open Movies entre los que se encuentran piezas como Elephant’s Dream (2006), Big Buck Bunny (2008) y la recientemente estrenada: Tears of Steel (2012). Con la financiación inicial proporcionada por 1000 donaciones a través de la comunidad de Internet, esta modalidad ha vuelto a demostrar ser un modelo de desarrollo viable tanto para la tecnología 3D como para el cine de animación independiente.
Sintel comenzó en mayo de 2009 cuando, el productor y director de la Fundación Blender, Ton Roosendaal estableció un equipo básico compuesto por Colin Levy (director), David Revoy (arte conceptual), Martin Lodewijk (historia) y Jan Morgenstern (compositor). Luego se sumó el guionista Esther Wouda, en principio como consultor. Esther luego trabajó en estrecha colaboración con Colin, David y Ton para entregar el guión definitivo a principios de noviembre de ese año. Sobre la base de una convocatoria pública para los artistas – con más de 150 respuestas – el equipo de artistas quedó establecido en julio de 2009. Se conocieron en una semana de pre-producción en Amsterdam en agosto, y todos decidieron unirse al proyecto a partir del 1° de octubre. Con el presupuesto final sin conocerse por aquel entonces, el objetivo era terminar la película dentro de un plazo de 7 meses, con un equipo de 6 artistas y 2 desarrolladores.
En noviembre de 2009, el Fondo de Cine de los Países Bajos aprobó un subsidio sustancial para Sintel, suficiente para extender el proyecto a 10 meses. Fue también en esa época que los animatic mostraron que el guión tenía que ser revisado para ser más compacto. Con la financiación adicional, Ton finalmente podría ampliar el equipo con cinco artistas y un desarrollador más en marzo de 2010. La película terminó con una duración total de 14m: 48s, 888 segundos y aunque por momentos recuerda a la película How To Train Your Dragon (Cómo entrenar a tu dragón) realizada por Dreamworks Animation con un costo USD$165.000.000, este cortometraje solo costó $550.000 dólares. Sintel se estrenó el 27 de septiembre de 2010, en Utrecht en el Festival de Cine de Holanda. La película en sí, y todo el trabajo del equipo se distribuye bajo la licencia Creative Commons Attribution License, gratis para todo el mundo para distribuir, aprender o re-utilizar. El set de 4 discos DVD proporciona todos los datos para poder recrear y volver a procesar la película en su totalidad.
Créditos:
Director: Colin Levy
Productor: Ton Roosendaal
Guionista: Esther Wouda sobre un concepto original de Martin Lodewijk
Director de arte: David Revoy
Música: Jan Morgenstern

Artistas gráficos:
Angela Guenette (modelización, esqueletos, animación)
Ben Dansie (modelado, materiales, iluminación, composición)
Soenke Maeter (modelado, materiales, iluminación, composición)
Pablo Vazquez (modelado, materiales, iluminación, composición)
Dolf Veenliet (iluminación, composición)

Animación:
Nathan Vegdahl (rigging, animación)
Lee Salvemini (animación)
Beorn Leonard (animación)
William Reynish (animación)
Jeremy Davidson (animación)
Desarrollo de Blender = Campbell Barton, Brecht van Lommel

Voces:
Halina Reijn (Sintel)
Thom Hoffman (el chamán)

Lugar y fecha de lanzamiento = Netherlands Film Festival, 27 de septiembre de 2010

Para el desarrollo de este corto de animación, se han utilizado las siguientes herramientas de software libre:

  • Blender (modelado, animación, renderizado, composición, edición y exportación)
  • GIMP (arte conceptual y pintado de texturas)
  • MyPaint (arte conceptual)
  • Al.chemy (arte conceptual)
  • Inkscape (dibujos vectoriales)
  • OpenEXR (formato de salida de archivos)
  • SubVersion (administración de archivos)
  • Python (programación y scripts)
  • GNOME (entorno gráfico y herramientas)
  • Ubuntu Linux (sistema operativo)


Blender
ha sido el principal programa para la creación y desarrollo de la película, el resto de los programas o herramientas se han utilizado en gran parte para tareas de pre y post producción y gestión del conjunto del proyecto. Ubuntu ha sido el sistema operativo utilizado, con GNOME como entorno gráfico de escritorio.

Como en el caso de los otros films de la Fundación Blender, los desarrolladores trabajaron intensamente siguiendo las necesidades del equipo de producción del film para mejorar el software Blender. Se han realizado mejoras en la interfaz de usuario, en el sistema de partículas (lluvia, polvo), en el esculpido, el sombreado, el sistema de renderización y en la simulación de humo. Estas modificaciones se han ido incorporando a las versiones de Blender desde la 2.50 alfa hasta la 2.54 beta.
La Fundación Blender (en inglés: “Blender Foundation”) es una organización sin ánimo de lucro que se encarga del desarrollo de Blender, un programa de código abierto para modelado 3D. Dirigida por Ton Roosendaal, el autor original del programa, fue fundada gracias a las donaciones, que permiten a Ton dedicarse profesionalmente al desarrollo de Blender y mantienen la infraestructura, posibilitando el desarrollo del programa, su distribución y otras actividades. La meta principal de la fundación es brindar acceso a la tecnología 3D gracias a Blender. Entre sus variadas actividades, la fundación entrega varios recursos para apoyar a la comunidad que utiliza Blender, en particular, organiza una conferencia anual en Amsterdam para discutir el futuro del programa, y atiende un stand en el SIGGRAPH, una conferencia mucho más grande sobre gráficos por computadora en general.

Luego del éxito de Elephants Dream, se necesitaba una separación entre lo que son los proyectos organizados por la Fundación Blender (como la Blender Conference, o los Google Summer of Code), y la producción de proyectos de animación. Con ese fín se creó el: Instituto Blender (en inglés: “Blender Institute”), situado en Amsterdam, también. Allí es donde principalmente se producen los proyectos abiertos, es también de donde son enviados los productos del Blender E-Shop, otros proyectos suelen llevarse a cabo en el Instituto, como los Open Movie Workshops (serie de tutoriales hechos por ex-participantes de los proyectos).

Objetivos del proyecto:

  • Estimular el desarrollo de funciones avanzadas a nivel de producción.
  • Validación de Blender por grandes artistas.
  • Uso e implementación de una fuente de información de código abierto.
  • Crear publicidad favorable y buenas relaciones públicas para Blender.
  • Crear material útil y contenidos educativos de contenido libre.
  • Por último, pero no menos importante, proporcionar una experiencia divertida e inspiradora para toda la comunidad de Blender.

Portfolio del Director de Arte de este corto y entrevistas muy recomendables:


Licuadora Studio en Argentina fue uno de los estudios contactados para ayudar en la producción (Códigos de la World Cup: Team Argentina): http://www.licuadorastudio.com/blog/?tag=sintel&langswitch_lang=es


All images are property of  Blender Institute & Blender Foundation


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Out of Sight – Evocando a Miyazaki



Oficial Site: http://evaty.main.jp/oos/
Making off: http://evaty.main.jp/oos/making.html

Este bellísimo corto, de animación tradicional, fue realizado como trabajo final de graduación por tres estudiantes de la Universidad Nacional de las Artes de Taiwan en el año 2010. Ellas son: Ya-Ting Yu (dirección, animación, CGI y composición), Ya-Hsuan Yeh (fondos, color y composición) y Chung Ling (animación y coloreado). Las autoras nombraron a Hayao Miyazaki como una de sus principales influencias y, debido a la gran calidad de su trabajo, a este equipo de artistas se las llama cariñosamente el “Hayao Miyazaki de Taiwan“.
El personaje principal de la historia (una pequeña niña ciega, llamada Chico) se enfrenta a un robo, se separa de su perro guía (Gogo) y se desvía de su habitual camino, con el cual está familiarizada. Después de pasar por un hueco en una cerca, ella entra en un mundo desconocido y se desarrolla una aventura mágica usando su imaginación y los sentidos que no sean la visión, mientras avanza siguiendo los ladridos de su perro.“Originalmente, quería trabajar en una historia sobre un árbol muerto que habían partido por la mitad en la casa de mi abuelo tres días después que mi abuelo falleció, pero nos dimos cuenta que no estabámos familiarizadas con las historias sobre la muerte y no tenía experiencia de vida suficiente para desarrollar el tema en una historia conmovedora “, dijo Yu, directora de la animación. Después de muchas discusiones en grupo e inspirada por las historias de su profesor acerca de los viajes a las escuelas para ciegos, Yu y sus compañeras decidieron producir una animación sobre el mundo imaginario de una persona ciega. “Dependemos de nuestra vista a un grado increíble”, comenta el trio de artistas. “Nos preguntábamos cómo sería ser ciego.” La historia se desarrolló a partir de esta curiosidad.

A pesar de que ahora tenían una historia y un tema, la cooperación en el principio fue algo áspera, así como también afloraron ciertos conflictos sobre la manera de producir la animación. “Quería tratar de hacer animación dibujada a mano, ya que tiene un toque cálido y natural, el cual un software como el Flash carece, pero mis compañeras se opusieron porque ninguna de nosotras realmente tuvo la experiencia de producir una animación dibujada a mano”, dijo Yu. “Incluso nuestros profesores estaban preocupados de que no íbamos a cumplir con el plazo si utilizábamos este método, ya que consume mucho tiempo.”Al final, después de realizar algunas pruebas y calcular el tiempo necesario, las jóvenes acordaron utilizar animación dibujada a mano, mientras que utilizarían softwares como Flash, MonkeyJam, ACDSee y Photoshop para pruebas de animación, pruebas de lápiz, colorear la transferencia de archivos, y otro tipo de asistencias.

“La protagonista, Chico, se basó en un personaje que Yu había creado en el pasado, pero la apariencia de Gogo le preocupaba desde hacía bastante tiempo. Tenía en mente un perro con cuerpo, orejas y nariz de un perro salchicha”, comenta el trío. “Gogo fue diseñado sólo después de haber analizado una serie de animales de peluche para referencias. Su apariencia así como muchas de sus acciones se desarrollaron tomando de guia algunas animaciones de Walt Disney, como “101 Dálmatas” y “La Dama y el Vagabundo”. La idea de la transformación de Chico se basó en “Aladdin”, mientras que el toparse con el hueco en la cerca fue gracias a la inspiración tomada de “El viaje de Chihiro”, de Miyazaki”, según afirma el equipo.El doblaje y definir el soundtrack fueron otros desafíos que enfrentó el grupo. “Nos tomó tres pruebas para encontrar la voz que necesitábamos”, señaló Yu. “En primer lugar se utilizó la voz de un niño que vive al lado de mi casa, pero me dijo que no entendía algunas de las acciones de Chico, por lo que contratamos a un adulto imitando la voz de un niño para la segunda prueba, pensando que tal vez los adultos puedan entender mejor nuestra producción, pero la voz no era natural. Por último, nos encontramos con una niña pequeña y utilizamos la mayor parte de grabaciones de su voz, complementándolas con la voz de mi niño vecino”.

Con respecto al soundtracking, el problema fue la sincronización de la música con los movimientos de los personajes. “Empezamos controlando el tempo de la música, y esto impuso limitaciones a nuestra edición, y también causó un montón de inconvenientes para nuestros compositores”, dijo el equipo. “Tuvimos que cambiar de compositores varias veces en el curso de la producción, ya que algunos estaban demasiado ocupados o vivían demasiado lejos para contacto inmediato. Afortunadamente, encontramos a Arvis Pan, que nos ayudó a ajustar la música en un período muy corto, lo que nos permitió presentar la película antes de la fecha límite de revisión general de nuestro departamento”.
Credits:

  • Ya-Ting Yu (Evaty)
    Director, animation, CGI and compositing
    evatyyu@gmail.com
    http://evaty.deviantart.com/
  • Ya-Hsuan Yey (Kynight)
    Background, coloring and compositing
    Kynight_clover31323@hotmail.com
  • Ling Chung
    Animation and coloring
    ling.c.25@gmail.com

All images are property of “Out of Sight” team
Fuente: Taiwan Today


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Headless Productions – Perdiendo la cabeza con tanta excelencia


Un excelente reel de animación del 2010 de Headless Productions, estudio de animación y productora de Barcelona, fundada en 2008 por Adrian Garcia, Victor Maldonado y Alfredo Torres (directores / diseñador de producción de Nocturna, de la que hablaré en otro post).
Headless Productions es un estudio de animación español, que ofrece soluciones gráficas y de diseño visual para películas y series de TV. Se especializan en la creación y desarrollo de estilos, miradas y personajes innovadores para películas de animación. El estudio como tal comenzó en el 2008, aunque los primeros dos años estuvieron escondidos, solamente desarrollando y escribiendo ideas. Se definen como unos “descabezados” que intentan hacer cosas a contracorriente, y bien que lo logran. Sus estándares de calidad rozan la excelencia en cada uno de sus trabajos y su propuesta estética busca la innovación aportando una nueva mirada, más moderna, a la animación tradicional.

Desde Barcelona para el mundo, ellos son: Adrian Garcia, Alfredo Torres y Victor Maldonado. Este es el núcleo del estudio y quienes crean todos los proyectos y hacen la mayoría del trabajo cuando se trata de la dirección artística, sin embargo cuentan con un equipo de animadores amigos que les dan una mano cuando es necesario: Julien Bizat, Gourmelen Mael y Pablo Navarro.
“Después de terminar nuestra película anterior “Nocturna” (el primero como directores) nos pareció que necesitábamos libertad para desarrollar nuestros propios proyectos e ideas muy lejos de las grandes empresas. El nombre proviene del título del primer proyecto que hemos desarrollado como un estudio”.
La mayoría de sus trabajos todavía están en diferentes etapas de desarrollo o en busca de financiación.

>> The Strange Case of Dad’s Missing Head (2008)

Teaser del primer proyecto del estudio, y del cual desprende su nombre. En The strange case of dad’s missing head se narra la historia de un famoso escritor que se despierta un día sin su cabeza, un problema que su hija Mathilde va a intentar resolver, descubriendo que viven en un mundo donde la realidad se mezcla con la ficción (a menos que sea el revés).

>> Mr. Collieu (2009)

Eike, una niña criada en el campo, tendrá que acudir a la ciudad para salvar a su mejor amigo, un gran cerdo mecánico.


>> I’m a monster ( 2010 )

Es la historia de una familia suburbana – al igual que cualquier otra familia con una excepción: Papá es un monstruo – un verdadero monstruo. Una animación exquisita y mucho sentido del humor.


>> No Pets Allowed (2011)

Realizada entre Headless Productions y el, también español, estudio Six Birds Productions, No Pets Allowed trata sobre una familia que tiene que lidiar con un grupo de monstruos instalados en su hogar. Es la primera incursión del estudio en la animación 3D.
>> My family and the Wolf (2012)

Este es un corto que fue presentado en el Cartoon Movie de Lyon en la categoría “proyectos en desarrollo”. Es un trabajo financiado por la productora Nectarious, y como dato curioso casi todo el equipo de animación son ex-alumos de la escuela Gobelins.  Es un corto que pretende ser una carta de amor a los veranos de infancia tratando de evocar ciertas luces y olores y por encima de todo eso, reafirman los recuerdos como el tesoro más valioso.
Créditos

Producer: Christine Ponzevera.
Directed: Headless.
Design: Maxime Mary & Headless.
Animation: Baptiste Rogron, Benoit Tranchet, Adeline Grange, Julien Bizat.
Cleanup: Fernando Abaca.
CGI: Javier Verdugo.
Ink&Paint: Maria Pia.
Music: Nicolas Errera.

Portfolios de algunos de los artistas de este magnífico estudio:

 

Muy recomendable también la presentación del estudio en la Creative Talent Network Expo. 20/20 Visions with Headless Productions: http://www.ctnanimationexpo.com/headless-productions/

All images are property of Headless Productions


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Interstella 5555



http://www.imdb.com/title/tt0368667/

Interstella 5555:  The Story of the Secret Star System es una película de animación japonesa del año 2003.
Esta película es la realización visual de Discovery, álbum de la banda francesa de música electrónica, Daft Punk. El film cuenta en diferentes episodios la historia de la abducción de una banda de pop interestelar, y sigue el concepto que ya se había usado en 2001 para los primeros cinco sencillos del álbum: (“One More Time”, “Aerodynamic”, “Digital Love”, “Harder, Better, Faster, Stronger”, “Crescendolls”). Cada video comenzaba donde se interrumpía la historia anterior; sin diálogos, ahora todas las canciones del álbum cobran nuevo sentido al unirse en la narrativa de una aventura espacial como si de una película se tratara. Este film fue presentado durante el 56º Festival de Cannes.

Los dibujos fueron realizados por el estudio de producción japonés Toei Animation. El supervisor gráfico fue Leiji Matsumoto, que también ha creado las series de TV Harlock Saga y Space Battleship Yamato.

Al comienzo del Dvd de Interstella 5555 se pueden observar unas breves declaraciones grabadas en video de Leiji Matsumoto, en las que declara: “Siempre he dicho que los músicos son magos, desde que era un niño siempre tuve un sueño o esperanza, y ahora siento que el sueño viene hacia mí. ¿Cómo podría explicarlo? la música se convierte en miles de luces brillantes en mi cabeza”.
Como se detalla en el folleto incluido con el DVD de 2003, la idea de Interstella 5555 se formó durante las primeras sesiones de grabación del album Discovery. El concepto de la película que idearon los Daft Punk implicó la fusión de la ciencia ficción con la industria del entretenimiento. Viajaron a Tokio con la esperanza de crear la película con su héroe de la infancia, Leiji Matsumoto. Después que Matsumoto se unió al equipo como supervisor visual, Shinji Shimizu es contactado para producir la animación y Takenouchi Kazuhisa para dirigir la película. La producción comenzó en octubre de 2000 y finalizó en abril de 2003. El costo de la película se dice que ha sido de US $ 4 millones. Los primeros cuatro episodios de la película se mostraron en MTV y Cartoon Network en 2001. En diciembre de 2003 Interstella 5555 fue lanzado junto con el álbum Daft Club, que sirvió para promocionar la película y unas remezclas inéditas del álbum Discovery.
Muchos de los elementos comunes a las historias de Matsumoto, como un romanticismo de noble sacrificio y el recuerdo de los amigos caídos, aparecen en Interstella 5555. Daft Punk reveló en una entrevista que el Capitán Harlock fue una gran influencia sobre ellos en su infancia.Ficha técnica

Título original : Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem
Realizadores : Leiji Matsumoto, Kazuhisa Takenouchi
Productores : Thomas Bangalter, Guy-Manuel de Homem-Christo
Diseño de escena : Thomas Bangalter, Cédric Hervet, Guy-Manuel de Homem-Christo
Música : Daft Punk
Duración : 68 minutos
Fecha de salida : 1 de diciembre de 2003

Lista de Temas:

1.- One More Time 1:39
2.- Aerodynamic 6:34
3.- Digital Love 10:22
4.- Harder, Better, Faster, Stronger 14:47
5.- Crescendolls 18:57
6.- Nightvision 22:38
7.- Super Heroes 24:17
8.- High Life 28:12
9.- Something about us 31:29
10.- Voyager 35:18
11.- Veridis Quo 39:03
12.- Short Circuit 45:49
13.- Face to Face 49:06
14.- Too Long 53:21Daft Punk es un dúo de música electrónica formado por los músicos franceses Guy Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter. Daft Punk alcanzó una gran popularidad en el estilo House a finales de la década de los ’90, en Francia y continuó con su éxito los años siguientes. El dúo también es famoso por la producción de canciones que se consideran esenciales en el estilo french house. A principios de su carrera, estaban influenciados por bandas como The Beach Boys y The Rolling Stones. Bangalter y de Homem-Christo se encontraban originalmente en una banda llamada Darlin, que se disolvió después de un corto período de tiempo, dejando a los dos libres de experimentar con música por su cuenta. El dúo se convirtió en Daft Punk, y lanzaron su aclamado álbum debut Homework en 1997. El segundo álbum, Discovery, lanzado en el 2001, fue aún más exitoso, impulsado por los sencillos «One More Time», «Digital Love» y «Harder, Better, Faster, Stronger».  Hicieron una gira a lo largo del 2006 y 2007 y lanzaron su álbum en vivo Alive 2007, el cuál ganó un Grammy por Mejor Álbum de Electrónica/Dance. El dúo compuso la música para la película Tron: Legacy y en el 2010 lanzó el álbum de la banda sonora de la película.
Daft Punk es conocido por sus conciertos excéntricos, en los que elementos y efectos visuales se incorporan con la música. El dúo también es conocido por su énfasis en sus componentes visuales y de su historia, así como el uso de trajes adornados de robot mientras aparecen en público y mientras se presentan.Leiji Matsumoto (Matsumoto Reiji en japonés) es un famoso dibujante de manga (mangaka) y diseñador de series de anime. Nacido en Kurume, en la prefectura de Fukuoka (Japón) el 25 de enero de 1938. Cuenta con un talento magistral para crear historias de ciencia ficción con elementos dramáticos (óperas espaciales). Posee un estilo único para el diseño, tanto conceptual y gráfico como psicológico de personajes. Sus estereotipos de personajes podrían dividirse en tres: El héroe, (entre ellos podríamos encontrar a Harlock y Zero, del universo de Harlock, o a Arpegious y Shep de Interestella 5555), ellos son hombres delgados, altos y bastante guapos. Mientras que hay hombres que suelen ser de aspecto áspero y hasta grotesco, como es el caso de Toshiro, amigo del Capitán Harlock en el Universo de Harlock, este es bajito, y con una cara muy graciosa, personajes como él pueden aparecer también por ejemplo en Interestella 5555 con el baterista Baryl. Las mujeres suelen aparecer como heroínas delgadas y de aspecto frágil pero con deseos muy firmes.

En 1972 creó a uno de sus personajes más característicos, el Capitán Raymar (Captain Harlock, en Japón; Albator, en Francia y Captain Herlock, en los EE. UU.) en una serie animada que originalmente estuvo compuesta por 42 episodios. Ese universo particular de Matsumoto ha servido para que su autor coloque en él numerosas series, entre las cuales están: Galaxy Express 999, Queen Emeraldas y Cosmo Warrior Zero. A este universo compartido a veces se le llama el Leijiverso o el Matsumoto Milieu.Y por último, muy recomendable esta entrevista con Leiji Matsumoto y la “presencia” de los Daft Punk , en donde Leiji comenta sobre su encuentro con los Daft Punk, la idea de hacer Interstella 5555 y algunas otras cosas más. Está doblada al inglés sin subtítulos pero creo que se entiende bastante bien y sobre todo se transmite a la perfección el sentido de humor de Matsumoto y los Daft Punk :)

Los bocetos de Interstella 5555 se encuentran en esta galeria: http://zelgoddess.rubberslug.com/gallery/home.asp. Muy recomendable, tiene una colección de celdas de animación y bocetos de varias series y peliculas :)

All images are property of Toei Animation

Fuente


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Superfad: Sony “Eye Candy”



Este spot es de hace 2 años pero no deja de ser atemporal por su altísima calidad y buen gusto. Pertenece a la campaña audiovisual de Sony, para promocionar su línea de televisores de alta definición (BRAVIA).  Dividido en 3 etapas – la primera el nacimiento de color, la segunda es la explosión de color y la tercera es la liberación del color – el proyecto ha sido denominado “Eye Candy“.

Fue realizado por Superfad, un estudio de diseño y producción con oficinas en Seattle, Nueva York, Los Ángeles y Londres. Fue fundada en 2001 por Geraint Owen y Will Hyde y en 2005 se unieron Kevin Batten y Leibow Justin. Entre sus clientes están Google, Durex, PlayStation o MTV, entre otros. Superfad comenzó su vida como un pequeño estudio de motion graphics en Seattle, allá por el 2001. La compañía se expandió a Nueva York en el 2003 y abrieron una oficina en Los Angeles en 2005. En 2007, abrió su primera oficina europea en Londres. En 2005, fue galardonada con el León de Plata en el prestigioso Festival de Cine de Cannes por su cortometraje “El mejor cigarrillo”, encargado por el canal Sundance.

Credits

Client: Sony Electronics
Video Program Manager: Lisa Gonzalez

Agency: chickINchair Productions
Executive Producer: Kim Tierney

Live Action Production Company: Superfad
Director: Will Hyde
Director of Photography: Martin Ahlgren
Production Designer: Jason Puccinelli
Wardrobe Design/Stylist: Heidi Meek
Make Up: Bryin Smoot
Line Producer: Scott Ludden

Design & Animation: Superfad
Executive Creative Director: Will Hyde
Creative Director: Carlos Stevens
CGI/VFX Director: Dade Orgeron
3D Artists: Tom Oakerson, Phiphat Pinyosophon, Andrew Butterworth, Yas Koyama,
Alex O’Donnell, Dimitri Luedemann, Billy Maloney
Compositors: Tom Oakerson, Paulo Dias, Loren Judah, Dorian West, Sohee Sohn,
John Stanch, Soyoun Lee, Dimitri Luedemann, David Holm
Editor: Ryan Haug
Flame Artist: Andy Davis
Head of Production: Chris Volckmann
Executive Producer: Rob Sanborn
Music: Matt Hutchinson


Imperdible el Detrás de escena de este genial spot. Un pantallazo de cómo trabaja un estudio audiovisual de este calibre.

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